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「おそらく、クリエイターにとって最も最初に考えるべきは、『新神話』における虚構と現実の割合の問題なのだろう。」

夏休みシーズンが折り返しを迎えようとする中、モウ・ジョンヤン監督・脚本によるアニメーション映画『八仙！』は今月のダークホースと言える。公開日を繰り上げてからわずか10日で興行収入は9億元を突破し、猫眼の最終予測は20億元超となっている。

これほど目覚ましい成績は、業界内外から多くの注目を集めるのは当然で、ましてやレイトショー試写の段階ですでに賛否が真っ二つに割れる評価が数多く現れており、現在では興行収入の上昇と観客層の拡大に伴って、その論争はますます激化している。

これは一見、「評価が高い」か「興行的にヒットする」かという、いつもの堂々巡りの話題に思える。しかし、おそらくそれは同時に、国産神話題材アニメーション映画の制作における、議論に値するある転換点を意味しているのかもしれない：

一方では、他のエンターテインメント市場で検証済みの膨大なデータベースから古典的要素を抽出して再創作を行うやり方は、完成品の基本形態が予測可能であるだけでなく、興行収入の反応も概ね満足のいくものになりやすい；

しかし他方で、独創性を持つ作者性の特徴をいかに十分かつ適切に映画の中で表現し、そして期待を寄せるもう一部の「理想の観客」に応えるかは、依然として解決されていない創作上の難題である。

『八仙！』を詳しく分解してみれば、その長所と短所こそが、まさにこの難題の完全な実例となっている。結末がすでに定められた伝統神話の物語において、「人」の努力の重要性は、いかなる姿で描かれうるのか？ 映画館を出て、回味するうちに言いよどませるものは、一体何なのだろうか？

01 神仙と凡人には別がある。それで？​

ストーリーの主线を一言、なるべくネタバレなしに要約すれば、『八仙！』とは呂洞賓や鐘離権ら「八仙」が、いかにして天を欺き蒼生を救ったかを描く「新」神話物語である。

『東遊記』（明代の呉元泰の著作）にある八仙の海渡りの法合や龍王との大戦という伝統的な物語の枠組みは、本作とはほとんど無関係であり、人物同士の師承関係やそれぞれの姿かたちも、原典のそれとは大きく異なっている。また「蓬舟吹取三山去」の「蓬莱」も、主に異世界の背景板としての役割を果たしているにすぎない。要するに、『八仙！』はこれまで各社の「新神話」シリーズと同様、巨大な神話の二次創作物語なのである（。）

この前提を踏まえた上で、本作の主要な構造を改めて見てみると、最も際立ち、底色とも言えるテーマは、やはり仙凡関係への考察である。

映画は「神」と「仙」を詳細に区別していないが、本作の既存の設定と合わせて見れば、人と神（仙）は『八仙！』における確固たる二大種族であり、登場人物や台詞（東華帝君が玉浄瓶を仏道両家の平和の象徴とする信物と言及する場面）からも、仏道融合・修仙得道という世界観の背景がうかがえる。古今を通じて、仙凡関係は神話題材の物語創作において最も有効かつ直接的な視点であり、「妖」を別途論じない限り（本作でも確かに「妖」族は登場せず、衆仙の口にする「三界」も曖昧に触れられるだけである）、仙凡関係とは実のところ、神仙が凡人を見下し、凡人が神仙を見上げる二元的な権力関係を意味する。『八仙！』もその定石を免れてはいない。

ただし『八仙！』において「媒介の場」を担うのは蓬莱であり、飛び地のように見えて、実は仙凡混居の曖昧な空間である。公開された予告編であれ本編の主线であれ、『八仙！』は意識的にこの点を提示している。

蓬莱にそびえ立つ巨大な福禄寿三君の塑像（燕郊の現実がアニメの夢に介入（違）や、近未来的なファンタジー風のシーン設定は、蓬莱が別の意味での「世外の境」に合致することを強調しているようである。もちろん、これは当然ながら後の物語における主角チームの超凡たる活躍につなげるためでもあり、創作上の取捨選択も暗に含んでいる。凡人が蓬莱に到達できるという点自体が、何らかの選別性を体現しているのであり、どうやって蓬莱にたどり着くかについては、制作陣はメイキングの中で『太平広記』の「茲地有縁、方得一到」という一句で簡潔に説明しただけである。

「仙凡有別」が観客すら当然と受け入れる物語の前提となったとき、すなわち「なぜ別があるのか」が映画が答える必要のない問いとなったとき、「それで？」をいかに上手く語るかが極めて重要になる。

『八仙！』は依然として最も安全な、しかし最大公約数を満たす道を選んだ：大量の笑いのポイントで、主人公たちが権力の上位圏に初めて足を踏み入れた際の違和感を解消し、それによって物語のテンポが常に高速発展、他顧なしの状態に保たれるようにしたのだ。

例えば物語の冒頭、観客の視点は呂洞賓と完全に同期し、どちらも未知の状態で「ノアの箱舟」のごとき蓬莱と向き合う。神仙ランキングの画面やニコニコした童顔の財神、雲上交通ドライバーの方言の訛り、卯日星君の古典的なイメージへのオマージュである某仙が神仙管理局に愚痴をこぼす場面など、蓬莱の繁栄ぶりを示す奇観的な描写の裏には、仙族の凡人をはるかに超える能力と権力があり、蓬莱の法則「有求必応」もまさにこの前提の上で成立せざるを得ない：凡は仙に奉じ、仙は凡を庇護する。前者は後者の特権に効力を保証する基盤であり、両者の間の権力の隔たりは天塹（天が切り裂いた溝）だからである。

しかし、平等でない権力関係は必ず抵抗を生む。観客は当然、映画がその抵抗をどう描くかを期待する——『八仙！』の物語前半は、まさにそこに力を注いでいる。ペテンと詐欺まがいの「下九流」どもが立ち上がり、『ナウ・ユー・シー・ミー』（Now You See Me）や『ガーディアンズ・オブ・ギャラクシー』（Guardians of the Galaxy）のように燃え上がる。知略合戦のパートに登場時間1分足らずのスペシャルゲストは大きな注目を集め、映画としての効果はなかなかのものだったと言える。

ここまでで、「八仙過海」の枠を借りて語る凡人たちの「瞞天過海」は、ほぼ筋が通るものとなっている：「大洪水」という災厄のナラティブを背景に、本来庇護の責任を担うべき上位者が私欲に走る特権者となったなら、下位者が生存のために行うあらゆる抵抗は自救であり、さらには呂洞賓の口にする「正しいこと」なのである——たとえ「蒼生」がただの輪郭のぼんやりした代名詞であったとしても。

02 善には善の報い。本当か？​

とはいえ、近年の神話題材アニメーションの創作において、ほとんどの観客がすでに仙凡ナラティブと厚黒学が混ざり合ったこの一連のロジックに慣れていたとしても、必要な人物の動機は依然として試金石である。

映画全体に立ち返ってみると、『八仙！』で完全な人物動機を備えているのは実は四人だけであり、呂洞賓、楊戩、何仙姑、鐘離権である。主角チームのそれ以外の人物のストーリーラインは、相対的に断片的だ。もとよりこれは制作チームが上映時間のためにやむを得ず行った取捨と理解できるが、遺憾と言わざるを得ない。

ここで、筆者はひとつの解釈を提案してみたい：以上の四人は動機の面で「善には善の報いがある」という一つの閉ループを共同で構成しており、いずれ一人も欠くことができない。なぜなら本作は、台詞と世界観において仏道の融合が現れているだけでなく、人物間の関係にも両者の結合が体現されているからだ。

仏は因果を説き、道は今生を論じる。核心の手がかりである「善念」は鐘離権に発し、彼が蒔いた「因」が呂洞賓の「果」を引き出し、さらには何仙姑の遊侠の旅と義挙へとつながる。これが三人の因果である。そして鐘離権は、すでに東華から呪い（すなわち批命の判詞）をかけられていながら、この世では自らの「命」から脱した——なぜなら彼の今生の命に変数が現れたからである。その一つが、彼と互いに因果関係にある呂洞賓であり、もう一つは二人それぞれの仙縁、すなわち楊戩と孫悟空である。

したがって、楊戩の動機を理解することがとりわけ重要になる。

本作において、楊戩は善なのか？ この問いに対する答えの違いが、観客の一部が鑑賞後に抱いた不満を直接生み出した。立場から見れば、楊戩は主角チームや「蒼生百姓」と明らかに敵対しているからだ。しかし、何仙姑の「たった一人の母さんのために、ほかの人の母さんを犠牲にするの？」という台詞と合わせて見れば、楊戩の作中でのすべての行動は一つの完全に純粋な目的から出ている：母を救う。 これは目的が正義である動機であり、不正義なのは楊戩の取った手段である。

さらに、観客としての感情的立場を脇に置けば、楊戩は本作において実のところ「悪」と呼びがたい。『八仙！』の物語が重点的に強調しているのは「善には善の報い」であって、「善悪に報いあり」や「悪には悪の報い」ではない。八人が楊戩と渡り合うとき、楊戩が「無理やり」張果老を背負わされた嘯天犬を見て子供っぽい笑みを浮かべる場面、そして藍采和の口から語られる暗号は、いずれも楊戩の「非悪」の側面を効果的に造形していると言えるだろう。

映画前半の「仙凡有別」への淡々とした態度と合わせて考えると、すでに固定化され、もはや葛藤のない等級観がますます「新」神話の中で頻出するようになり、クリエイターの眼差しは人物間の関係、とりわけ感情関係の描写へとより多く向けられている。（この話題については、学術趴の以前の記事を参照：国産アニメーション映画は、なぜ「妖魔鬼怪」から離れられないのか？）

あるいは言い換えれば、神話題材の創作が自覚的に宏大ナラティブを薄めれば、必ず感情と倫理への考察へと向かうのである。そして『八仙！』において、この方向性にはもう一つの技巧的な処理が伴生している。すなわち「スーパーヒーロー」の熟練した転用である。

主角チームは名目上は凡人だが、物語での振る舞いや戦闘スキルから見れば、彼らはとっくに超凡の、仙縁を持つ「ヒーロー」であり、真の普通人ではない。揺るがぬ等級観の中では、宏大ナラティブも小人物のナラティブも成立せず、「天を衝いて地に立つ」スーパーヒーローだけが、この天塹を「越える」ことができるからだ。

——絶地天通。そして蓬莱において、「八仙」こそが天梯である。

もちろん、『八仙！』は最後に素朴で善良な結末を提示した：私たちはまだ何かを救うことができる。呂洞賓や鐘離権としてであれ、救われる普通人としてであれ、この世界では善には善の報いがあるというのは真実であり、それは依然として最上位の通行的な法則なのだ。

03 どんでん返しは多い。でも驚きはある？​

ここ数年の国産アニメーション作品と横並びで比べると、『八仙！』は昨年こそりとヒットした『シージエン・ジーズー』と実際の効果がかなり近い。簡潔に言えば、どちらも叙述トリックを好み、市場の感情をうまく掴み、しかも公式が「推しカップを公認」するタイプである（ここで言うのは、原作中の感情の顕明度と濃度が、鑑賞者による二次創作における感情の造形よりはるかに高いということ）。

したがって、一定の鑑賞量のある観客にとっては、本作を見終えた後の「déjà vu」（既視感）は避けがたいが、かといって飲み込めないほどでもない。あまり美味しくないが食品衛生的には合格した食事のようなもので、味の好みの問題であって品質の問題ではない。

那么、『八仙！』の叙述トリックは、観客を疲れさせてしまうだろうか？

ポップコーンムービーとして見れば、現時点で作中に仕込まれた幾つかの重要な叙述トリックはいずれも論理の必要性と映画のテンポに合致しており、実際に一定程度観客の感情を揺さぶることができた。これは一部のSNSでの議論からも裏付けられる。ただし、鑑賞の過程で本作の最大のテーマの眼目がすべて呂洞賓の一身に集まっていることに気づけば、最大の叙述トリックが明かされる瞬間には、観客は多かれ少なかれ「この酢のために餃子を一膳包んだのか」という脱力感に襲われることになる。

そしてこの「脱力感」は、本作をめぐるもう一つの重要な議論テーマにもつながっている：『八仙！』のカップリングは推せるのか？

カップリングの好みは千差万別とはいえ、本作の指向性は比較的はっきりしている：楊戩／呂洞賓／鐘離権のビッグトライアングルと、何仙姑関連のカップリングラインである。 ビッグトライアングルをどう並べようと、ベテランの同人道好きの女性ファンたちは必ずや最も満足のいく推しポイントを見つけられるだろう。しかし、どこか「公式設定」の匂いがする前提の下では、作中の師兄弟カップリングはどうしても「薬の風味」が足りないように見え、恍惚の瞬間にはたしかに故人の面影がある。

むしろ、主线ではあまり描かれない一部の「意外なカップリング」のほうが、味わうほどに趣が出ている。たとえば楊戩関連や何仙姑関連である。

一方では、これはまた「十分な余白があってこそ二次創作の派生に十分な生命力が生まれる」という古くからの問題に立ち返ることになる。他方では、楊戩は作中で絶対的な上位者という設定であり、何仙姑のストーリーラインもそれほど完全には描かれていないが、両者のカップリング内でのイメージはいずれも前述の「逆転」を備え、ギャップを感じさせるものとなっている——前塵往事の短い何仙姑が戦闘シーンで驚くべき力強さを放ち、その出番の実効性が彼女のキャラクターアークを大きく補完した。一方、楊戩の「孤注一擲」で母を救うためだけというある種の脆弱性は彼の上位者感を弱め、二次創作において解釈可能な魅力のポイントを与えている。

そういう意味で、師兄弟カップリングも決して推せない、あるいは「既製品」とまでは言えない。ただ、あらゆる面で「良すぎる」ほどに万全であるがゆえに、再びあの輪郭のぼんやりした様相を呈してしまっているのだ。

これはまた、作中の高彩度の配色の登場クレジットや音楽が与える感覚にも似ている。ハイテンポな映画の文脈の中では、それらはいずれもマッチした、自然なものである。だが映画館を出て反芻しようとするとき、（一部の）観客は往々にして一種の困惑感に駆られる：何かが滑らかに流れ去ったような気がする。どんでん返しも、叙述トリックも、絆も、すべて大雨の中でともに洗い流され、珠も礫も波とともに海に注ぎ、跡形もなく消えてしまったかのように。

04 余論：東方の雲海、空しく復た空し​

全体として見れば、『八仙！』は「八仙過海」という伝説の名を冠してはいるものの、物語の核心は依然として神話題材アニメーションとスーパーヒーローナラティブの三種の神器であり、無難で筋の通った（師兄弟の二人芝居は少し冗長ですらある）内容、設計には時折輝きが見られ、悪趣味や倫理ネタもなく、「優等生」という評価の称号を与えることができるだろう。

もう少し楽観的に言えば、『八仙！』は確かに自身の比較的流暢で完全なナラティブによって、国産アニメーション映画の神話題材の創作の方向に、いくつかの新たな突破をもたらした。 たとえば、敵役（少なくとも表向きの敵役）はもはや「大善人」に偽った尊者ではなく、「天意の侵食」というデウス・エクス・マキナで正義を成す安直な手法も使われていない（猴は隠し要素として、うん）。主角も、自分よりはるかに強力な敵を前にして、仲間を捧げるか自らを生贄にして無理やり覚醒するのではなく、基本的に本作の「瞞天過海」という知略合戦のテーマを貫いて辛勝を収めた。

これらのせいで、最終決戦における主角の戦闘のハイライトが一つのペテンになってしまったとはいえ、それは客観的な世界の運行のロジックにより合致しており、それゆえに異なる感情体験をもたらした。自らを捧げて蟷螂の斧のごとく巨大なものに立ち向かい、さらには一種の「カタルシス」（カタルシス）的な芸術効果に到達することを渇望する——これは尽きることのない創作の定石であり、また自己破壊的で、空想的な美好な期待でもある。そして『八仙！』は結局、この方向を放棄した。

したがって、夏休みシーズンこの時期、国産アニメーション映画にとって得難いポテンシャルのある公開枠において、『八仙！』はまずまずの劇場の選択肢と言えるし、最大公約数型の創作の興行収入上の実現可能性を再度立証したとも言える。

しかし、蓬莱と「八仙」を借りた以上、当然ながら一部の観客は、茫漠たる伝説や志怪伝奇のナラティブの可能性を求めてやって来ているはずだ。だが蓬莱に足を踏み入れた瞬間から、主角たちが向き合うのはきわめて現代化された世界（ファン投票、高速道路、内装工事、ビデオ会議……）である。言うなれば、現代の観客の生活に寄り添うため（あるいはある種の超現実性を表現するため）、『八仙！』は古典文学の想像の可能性の多くを放棄したのである。

本稿の冒頭で述べたように、これは国産アニメーション映画の神話題材が現在抱える一種の創作上の痛みと言える：枠を借りて転生する以外に、「評価も興行も取れる『新』神話」の創作の発想は、他に存在するのだろうか？

『オーオーオー』や『トウタオ』といった国産アニメーション短編は、もちろん典籍に新しい命を吹き込み、古を今に用いるという「評価を取る」発想を提供してはいるが、それをアニメーション長編の創作に転換するのは容易ではない。『ランルオシー』や『ジョン・ルオヤン』の興行収入の反応が先にある以上、保存型の翻案の効果は明らかにそれほど理想的ではない。おそらく、クリエイターにとって最も最初に考えるべきは、「新神話」における虚構と現実の割合の問題なのだろう：

もしそれが新たな表意の記号であるなら、それは何を伝えようとしているのか？ そしてもし共鳴を渇望する精神的な訴えであるなら、スクリーンの上から訴えるその眼差しは、一体誰を見つめているのか？

ここ数年、追光アニメーションは映画市場で最も「安定した」作品を生み出す国産アニメーションスタジオであり、2023年には『長安三万里』のような大ヒット作も生み出した。しかし今年の夏休みシーズン、「新文化」シリーズの新作に「異変」が起きた。

7月10日、追光アニメーションの新作『三国志第一部：洛陽争奪戦』が全国公開された。映画の評判は高まり続け、豆瓣のオープニングスコアは8.0を記録したが、公開15日で興行収入はまだ1億元に達していない。製作側までが「つまらなければ返金します」というスローガンを掲げる事態となった。

7月25日、『三国志第一部：洛陽争奪戦』は突然の上映中止を発表した。上映用キーの期限は8月9日までで、まだ劇場で観たいと思っている観客に残された機会は多くない。

01 歴史を軸に​

私たちは幼い頃から、中国古典文学には四大名著があると教えられてきた。しかし最も多く読まれ、最も広く改编（アレンジ）されてきたのは、『三国志演義』と『西遊記』だけである。

『水滸伝』は時代背景と論争に縛られ、現在ではさまざまな解釈が存在する。一方『紅楼夢』は文学的な敷居が高く、その鑑賞の広がりが制限されている。『西遊記』を解釈する際、正統派の改编としては中央電視台版のテレビドラマがあり、気楽な解釈としては『歡天喜地猪八戒』『西遊記後伝』などがある。脱構築に関しても、『大話西遊』『悟空伝』『黒神話：悟空』などを連想するのは難しくない。神魔妖怪という本質的に虚構の属性を持つため、これらの神仙妖魔がどこへでも気軽に顔を出すのも難しくない。孫悟空は封神榜の神仙たちとコラボレーションし、日本やアメリカにまで遊びに行く。

しかし、三国は違う。

広義には、三国は西暦184年の黄巾の乱から、280年に晋が呉を滅ぼすまでの約100年間の歴史である。『三国志演義』は中国古代の歴史のある時代を改编したものであり、民間伝説を整理したものであり、当時の史書（『三国志』『後漢書』『晋書』『資治通鑑』などを含むが、これらに限らない）が触れていない細部への想像と拡充でもある。この観点から言えば、『三国志演義』はそもそも叙事詩的な物語であり、古代の伝奇（あるいは大型の二次創作物）である。

物語によっては細かく言い換えたり、でたらめに語ったりすることができるかもしれない。しかし三国は違う。現代人が三国を改编する際、一方では『三国志』『三国志演義』が設定した枠組みからの脱却を考え、他方では既存の三国改编と重なりすぎないようにしなければならない。そしてどちらの面においても、誰も完全に白紙から作り直し、誰が誰だか分からないような新しい三国を作る勇気はない。

この観点から言えば、追光の『三国志：洛陽争奪戦』には野心がある。一方では、「歴史を尊び、原典を継承する」というスローガンを掲げてポスターに直接印刷し、他方では、タイトルの形式が、この題材を2000年代のハリウッドの叙事詩的な歴史映画のような形にしたいということをほぼ明示している。

これまで三国をテーマにした新作を発表しようとする者は、必ずと言っていいほど「歴史を尊重する」と強調してきた。しかし筆者は鑑賞後、追光の脚本チームが歴史の尊重に力を注ぎ、物語性の調整と変更を最小限に抑えたと安心して言うことができる。

実際、『洛陽争奪戦』の予告編が提示した外戚・宦官・士族の三勢力の勢力争いは、物語の第一部に過ぎない。その後はゆったりとしたペースで董卓の入京、曹操の董卓暗殺未遂、諸侯連合による董卓討伐へと移行していく。そして物語の全編は、曹操と袁紹という二人の青年俊英の視点に従い、彼らの「比較的低い」立場から、高位に座す漢末期の大臣たちの闘争を見つめる。

本作の第一部では、ナレーションが漢末期の闘争を、宦官と外戚の争い、皇権の凋落、士族の日和見的な暗躍として簡潔に要約している。近年の三国歴史改编が軍勢の配置に焦点を当てた戦争描写に集中しているのとは異なり、『洛陽争奪戦』は「中国式ポリティカル・スリラー」の描写に大胆な試みを行った。

何太后と董太后の争いから、十常侍の高圧的で慇懃な態度、何進と董卓のまったく異なる処世術に至るまで、私たちは幼少期の漢献帝・劉協がどれほど不自由な身であったかを目の当たりにする。また臣下の地位にある曹操と袁紹が、大将軍を全力で補佐しながら、いかにして後の深謀遠慮の諸侯へと一歩一歩成長していくのかも見て取れる。

作中で曹操が初登場した時、彼が軍を率いて敵陣を駆ける威風がすでに示されている。しかし時には、戦場の目に見える刀槍よりも恐ろしいのは、朝廷の帳の奥に隠れた見えない刃である。何進が宮中に召されて誅殺される場面は、曹操が初めて恐怖を感じた瞬間だ。揺れ動きバランスを失ったカメラの構図は、彼の最初の理想の崩壊を如実に反映している。功業を立てても漢室を救えない——自分が一本の柱を支えている間に、誰かが大厦の他の柱を壊しているのだから。

追光は取捨選択を適切に行い、観客が比較的詳しく知らない後漢末期の政治的闘争を濃密に描いた。その尺は94年版の正統派ドラマ『三国志演義』に劣らず、観客が比較的よく知っている諸侯の董卓討伐の部分は、より速いテンポで駆け抜けた。

董卓の入京は『洛陽争奪戦』の第二幕である。外戚と宦官がすべて誅滅された時、必ず権力の空白を狙う者が現れる。董卓は董太后の親族と自称し、自らに外戚という名分を被せた。その後、袁紹と曹操が予想した平和は訪れず、董卓の暴虐とともに、より大きな血の雨が降り注ぐことになる。

この部分では物語のテンポが加速し、私たちがよく知る多くのキャラクターが次々と登場する。そしてすぐに諸侯が董卓を討つ物語のクライマックスへと到達する。ここでは中原各州の異なる風貌が驚くほど美しく描かれ、地名がその土地の地形様式を模したアート文字で次々と立ち上がり、各地の州郡太守が義兵を起こすモンタージュが流れる。ここでちょうど前述の鮑信や袁紹らの行方にも決着がつけられている。洛陽を離れた後も彼らは意気消沈せず、故郷の腹心の力を借りて再起し、漢室を興す機会を待っている。

この時代の歴史をあまり知らない観客や、まだ中国の歴史を学んでいる子供たちのために、追光は最後にハイライトを残している。曹操と袁紹の二人を主役に展開するこの叙事詩的な物語は、エンディングに新たに登場する新キャラクターたちに収束し、彼らが作品全体のアクションシーンの見せ場——三英の呂布との戦い——を担うことになる。

厳粛な歴史を軸にすることに加えて、『白蛇』と『長安三万里』以来、追光アニメーションは歴史伝説の隙間に、凝りに凝った文化芸術デザインを埋め込むことに力を注いできた。多くの子供たちが映画に合わせて『長安三万里』の劇場で古詩を斉唱したことを観客が覚えているなら、今回の『洛陽争奪戦』にもそのようなシーンは欠かせない。曹操が夜に『九章算術』を読み、数学の問題に頭を悩ませる場面から、漢の磚や各種漆器、広間、衣装の設定に至るまで、すべてに文化的な凝りが表れている。彼らがこれほど細やかな取材をするためにどれほど博物館に通い詰めたのか、想像に難くない。

02 英雄から魔王へ​

「多年後、袁軍が敗色一色に包まれた時、曹操はきっと、かつて袁紹と一緒に花嫁を盗んだあの午後を思い出すだろう。」

「三国志の第一部」でありながら、「三国が三国になる前」の「洛陽争奪戦」を描くというのは、ぱっと見では直感に反する選択である。

しかし洛陽が天下の中心であり、漢室の旧秩序の象徴である以上、朝廷が揺らぎ、まさに群雄が割拠しようとする時代背景の中で、各人物が洛陽でどう居場所を勝ち取るかは、まさに異なる人物の性格、さらにはイデオロギー、体制に対する異なる態度を象徴している。

作中では、曹操は地位がやや低く、現実主義と唯物主義の色合いに満ち、いい加減に見える外表の下に強い実行力を秘めている。落ち葉で占いながらも「運命を信じない」——これは時代を超えた唯物主義の考え方を示している。

袁紹は秩序を信じ、名声と正統に望みを託すが、自らは庶出（側室の子）という身分がもたらす苦悩に深く沈む。秩序を重んじる正義感と優柔不断さ（自分がないのか、それとも優しすぎて決断しきれないのかは微妙なところだが）を併せ持つ。何進は向こう見ずで盲目的な自信家だが、真に事態を掌握することはできない。董卓は残忍で傲岸不遜であり、暴力によって秩序を突如粉砕することを選ぶ……

曹操は本作の第一の主役である。彼は宦官の家系の出身であり、より顕著な身分を持つ同族や他の士人とは異なり、曹操が成功して立身する確率は他の士人よりはるかに低かった。だからこそ彼は特に努力し、生存の知恵を特に重んじたのである。史書によれば、曹操は行いが軽薄だったために世間からは評価されなかった。しかしその一方で、青年期の曹操は本気で国を憂い民を憂いており、大将軍・何進の幕下で働いていた時も、力を尽くさなかったとは言い難い。

本作の冒頭は、『世説新語』に記録された、曹操と袁紹が他人の花嫁を奪い、曹操が策を巡らせて袁紹を逃がすという逸話を改编したものである。小さな出来事から大きな道理を見せるこのエピソードは、曹操の柔軟な生存の知恵と袁紹の剛直さを示している。

袁紹と曹操という二人の青年俊英の理想主義は、その後現実によって打ち砕かれ、最後には異なる道を歩むことになる。

そして三国を知らない観客が、怒涛のように押し寄せる歴史的事件の中で人物を覚えられるようにするために、アニメーションチームは必然的に、ある程度の特徴化処理を行う必要があった。

しかしそのうちのいくつかは適切だが、いくつかはあまりに大げさに感じられる。

例えば袁紹が優柔不断になった時に顔を覆う仕草、例えば曹操が時折発する大笑い。このような誇張された表現は、『長安三万里』の中で放蕩の生涯を生きた詩仙・李白にはちょうど良いが、将来千軍万馬を率いて天下の形勢を変える乱世の諸侯に当てはめると、いささか稚拙で違和感がある。

しかし作中の人物造形は依然として評価に値する。曹操の理想が打ち砕かれるのは二度ある。一度目は、何進が誅殺された後、暗黒の朝廷においては、権謀術数が時に正義感よりも力を持つことを悟った時である。二度目は、董卓が祭りの民衆を虐殺するのを目の当たりにし、結局は自分の力で悪を滅ぼすしかないと悟った時である。この二つが合わさり、最終的に私たちがよく知る奸雄が生まれた。権謀を信奉し、冷血無情で、誰も信じず、理想主義の言葉は夢の中でしか自分に語ることができない存在である。

曹操が努力して成長した前半生は、同時に失敗の前半生でもあった。何進を支えたが信頼されず、袁紹を信頼したが袁紹が大業を成し遂げられないと見抜き、董卓が入京した後の百官の醜態を目の当たりにして、彼はかくして人の心を信じず、自分の手にある力と才能だけを信じるようになった。

「周公が流言を恐れた日、王莽がまだ恭しく帝位をうかがっていなかった時」——この言葉は曹操にもよく当てはまるだろう。参謀、西園八校尉から一方の諸侯、漢の丞相となるまで、曹操は中国の大部分を統一し、生産を回復し、民の暮らしを守った。しかし彼は実際に謀臣を誅殺し、城を虐殺し、彼が統一しなかったもう半分の中国から見れば魔王となった。「能臣」「英雄」と「奸雄」「姦賊」の間で、曹操は何度失意を経験したのか。そして彼はどのようにして、自分と自分が嫌う人々との共通点を受け入れていったのか。

曹操とは異なり、袁紹は名が知られた時には、すでに多くの人にとっての兄貴分だった。作中の彼は寵児であり、同時に棄て子でもある。四世三公の河北・袁家の長男として、袁紹は進めば漢室に入って天子を補佐し、退けば董卓討伐の変の後に河北の本家に戻り、北方を統一することもできる。しかし庶子である彼の袁家での地位は、嫡子である袁術に一歩劣っていた。鬱憤を抱えた袁紹もまた功業を立てようと望んだが、漢室の問題を見抜き、喪に服し終えた後は、朝廷で沈んでいくことを望まず、一時は私下に豪傑や遊侠と交際した。

曹操の柔軟で実用的な生存の知恵とは異なり、袁紹の立身の基盤は一族の名声と自らの魅力に由来し、天下の豪傑が招かずとも集まってきた。史書には「袁氏は代々公鼎を重ね、高風義軌、海内に冠冕たり。紹は資望、夙に著し」と記されている。だからこそ作中で袁紹が剣を抜いて董卓を激しく非難した時も、董卓は彼を恐れて手を出せず、かえって袁紹に加封して懐柔を試みたのである。

袁紹は人脈が広く、遊侠の気質を持ち、自分に退路がないと心配したことは一度もない。しかし本作の後半では、この性格の欠陥が徐々に露呈してくる。袁紹は衝動的でありながら実行力に欠け、他人の意見に耳を傾けるが、正反対の意見もすべて聞き入れてしまう。ひとたび行動すれば一気呵成の豪気があるが、ひとたび失敗すれば落ち込んですっかり再起不能になる。

後期の大所帯となった袁紹軍の弊害は、まるでインターネット企業のようだ。決算報告は申し分なく良いが、内部の人間関係は錯綜し、同僚たちは心が離れて互いに不信感を抱き、誰もがボスの前で自分をアピールすることだけを考え、他人を妨害することも厭わない。袁紹自身もまた「志は大きいが智は小さく、外見は剛毅だが胆力は薄く、妬みが強く威厳に欠ける」（曹操の言葉）と評される人物で、自らの知恵袋たちを抑えきれず、「全部欲しい」「皆さんの言うことがすべて正しい」というやり方で事に臨み、結局は歴史の残酷な選別に耐えられなかった。曹操と袁紹という二人の青年時代の親友は、最終的に刃を交えることになる。

本来なら手を携えて漢室を興せたはずなのに、今や散り散りばらばらの惨状に終わった。

03 何が真の英雄か？​

『洛陽争奪戦』では、外戚と宦官が互いに権力を争って牽制し合い、士族がその間で斡旋する。漢霊帝の崩御に伴い、外戚と宦官は権力の空白を前に、互いに一戦を交える機会を得る。その間、曹操は徐々に事を進め、少なくとも表面上の均衡を維持することを望んだ。一方、袁紹は私心を抱き、士族がこれを機にのし上がることを望んで、何進に宦官を根絶やしにすべきだと強く進言した。

事態がこの段階まで進んだだけなら、まだ単純だったかもしれない。しかし外戚は一枚岩ではなかった。何家に加えて董家も外戚の一員であり、何家とは競争関係にあった。そして何進本人と何太后の関係も、表面上ほど単純ではなかった。

その後の物語は『洛陽争奪戦』の中で実に見事に描かれている——漢末の沈滞した歴史は、まさにこの一幕の血の色とともに、英雄の時代を切り開いたのである。

ここで言うところの、重苦しく難解であるということが、まさに本作が魅力に欠けると主流が考える理由なのである。

三国の英雄たちが直面した政局と戦場は、もともと根深く絡み合っていた。映画はこれらの矛盾をあまりに単純化することを選ばず、依然として可能な限り観客に思考の余地を残している。陰鬱で冷酷な場面を避けず、市場の「最大公約数」を意図的に追求していない。

同じ争いでも、私たちが映像作品で慣れ親しんでいるいわゆる宮廷式の権謀術数の駆け引きと比べると、漢末の宮廷内の血、英雄たちの理想の葛藤、民衆の流浪の悲歌のほうが、おそらくはるかに残酷である。おそらくしばらく時間が経って、映画が配信でより多くの人に見られるようになれば、『三国志：洛陽争奪戦』は改めて理解されるだろう。

追光が行った小さな仕事は、莫大な予算と大規模な製作で古典的な物語を繰り返し語ることではなく、若い観客に映画館に足を運ぶ理由を与え、歴史の教科書が教えなかった細部を学んでもらうことである。そして将来、学びを深めた時に感じてほしい——英雄と魔王の違いは、時にただ一つの心の持ちように過ぎず、多くの当然のように見える事柄は、それほど単純ではないのだと。

『洛陽争奪戦』の終盤、諸侯が洛陽に進軍する一方で、監督はモンタージュによって彼ら一人ひとりの運命を明かす。多くは董卓に倒されるのではなく、味方からの背刺しや併合によって滅ぼされる。

神の視点から見ている私たちは、ひそかに彼らの行く末を惜しみ、割に合わないと感じるかもしれない。しかし虎牢関の前で群雄が激闘を繰り広げたあの瞬間、誰も明日のことを深く考えず、ただ今日のこの一腔の熱血だけを想っていた。

こうして私たちは冒頭の問いに立ち返る。私たちはこれほど熱心に三国を観てきた。三国を改编してきた。三国には一体何が違うというのだろうか？

ちょうどワールドカップが終わったばかりの時期である。四年に一度、サッカーファンの数が膨れ上がることに感慨を覚える。ハーランドやエムバペ、ケインのように、私たちが三国を語る時、あの一人ひとりの生き生きとした顔を思い出すのである。

三国は、真の英雄が存在した時代である。そして、すべての時代に、真の英雄が必要なのである。

本文は「情報姫」の許可を得て転載しています

国内にはまだ良い美少女アニメはあるのだろうか？

日曜日に『プリキュア』が放送されるたび、この疑問が頭をよぎる。

確かに、日本製美少女アニメの極限的な洗礼を受けたせいで、中国製魔法少女は本来どのような姿をすべきなのか、もう忘れてしまったかのようだ。

しかし、私たち美少女の熱烈なファンは日本製IPを眺めて喉を潤すことしかできないと思い込んでいたところ、10年前の自分に容なくビンタを食らわされた。

中国アニメには孤高の忠誠心があり、魔法少女は途切れることなく受け継がれてきた。

2013年、小学5年生の少女が人形店に足を踏み入れたことから物語は始まり、以来、中国魔法少女史を貫く叙事詩的傑作——『精霊夢葉羅麗』が正式に各家庭の目に留まることとなった。

本来は、一世代を育ててきたこのアニメが今どのような姿になっているのかを見てみようと思っていた。

ところがコメント欄を開いてみると、みんなが最も議論しているのはストーリーではなく、キャラクターだと気づいた。

ワンモーが一路、真に一人前の葉羅麗戦士へと成長していく姿に感慨を覚える人；インチェン（銀塵）の背後にある立場を分析する人；チー仙子の黒と白の二形態から今後のストーリーを推測する人、そして『葉羅麗金鎏心』『葉羅麗月霊石』などの番外編を再び掘り起こして、一人のキャラクターをより深く理解しようとする人もいた。

その瞬間、ふと気づいたのだ。13年も歩み続けられる作品に本当に沈殿して残るのは、決して特定のストーリーではなく、絶えず成長し続ける一つの人々なのだと。

近年の『葉羅麗』の変化を一言でまとめるとすれば、こう言えるだろう：それはより多くの力を「キャラクター」に注ぎ始めたのだと。

以前、多くのアニメのキャラクターはストーリーを推進する存在にすぎなかった。一つの物語が終われば、彼らの役目も終わりだった。

しかし今の『葉羅麗』は、一人ひとりのキャラクターに、自分だけの完全な成長軌跡を持たせたいと願っている。

この成長は、設定を単純に増やすことではなく、同じ問いに答え続けることだ：このキャラクターは、なぜ今日の自分になったのか？そこで、番外編は新たな使命を担うようになった。

『葉羅麗・金鎏心』は世界観をさらに広げることなく、カメラをローリーに向けた。彼女はもはや優しく心優しい姫君であるだけでなく、王家の責任、心の葛藤、そして揺るぎない選択を持つ独立した人物となっている。観客が本編に戻り、彼女の守る姿や選択のひとつひとつを改めて見るとき、そこにはより完全な感情の源泉が宿っている。

『葉羅麗・月霊石』も同様だ。一度の冒険にとどまることなく、シンリンやワンシーといったキャラクターたちにさらに豊かな成長の次元を与え、キャラクターの感情、信念、選択をより完全なものにしている。

本編がストーリーを推進し、番外編がキャラクターを深め、両者が合わさって完全なキャラクター成長システムを構成している。

これこそが、今ますます多くの観客が『葉羅麗』を繰り返し視聴し、繰り返し語り合いたくなる理由でもある。

彼らを本当に惹きつけているのは、もはやこの戦いで誰が勝ったかではなく、一人ひとりのキャラクターが何を経験し、なぜそのような選択をしたのかということだからだ。

第11シーズンにまで到達したIPにとって、こうした変化は、新キャラクターの追加や大規模なバトルの設計よりも重要である。

物語は一区切りつくことができるが、キャラクターは成長し続けることができるからだ。

正直に言えば、『葉羅麗』を改めて開いて最初に目を引いたのは、やはり映像だった。

チー仙子の二重形態、圧迫感に満ちたインチェンの登場シーン、より繊細な光と影の表現……記憶の中の『葉羅麗』と比べて、制作水準は明らかに向上している。

しかし見続けるうちに、制作チームが本当にグレードアップさせたのは、画質だけではないことに気づいた。

カメラワークがますます、キャラクターをどう表現するかを理解し始めていたのだ。

私はこういう言葉にますます共感するようになった。

本当に優れた技術とは、観客に特撮のシーンを覚えさせるのではなく、一人のキャラクターを覚えさせることだ。

カメラがキャラクターの感情に注目し始め、表情の微細な変化、光と影、アクション設計がすべてキャラクターを軸に展開されるとき、技術はもはや制作力だけではなく、キャラクター造形の一部となる。キャラクターのわずかな視線の変化、戦闘シーンにおける感情の緊張感、ハイライトシーンでの映像的表現……これらのグレードアップは、最終的にすべて同じ目標に奉仕している——キャラクターをより生き生きとさせることだ。

アニメにとって、一シーズンの話題性を作るのは難しいことではない。

本当に難しいのは、作品が第11シーズンに到達しても話題性が持続し、ファンの熱意が依然として高まり続けることだ。

では、なぜ観客は依然として語り合い、期待し続けるのだろうか？『葉羅麗』が示した答えは、おそらくキャラクターそのものだ。

過去13年間、『葉羅麗』はずっと一つのことを貫いてきた——キャラクターに成長し続けさせ、キャラクターが観客の成長に寄り添い続けるようにすることだ。キャラクターが鮮明な個性、完全な成長軌跡、そして絶えず広がる物語の空間を持てば、彼らはもはや物語の中の役割ではなく、観客が長期的に注目し、共鳴し続けたいと思う感情的なつながりとなる。このつながりは、次第にIPにとって最も貴重な価値へと転換されていった。

第11シーズンの予告が放送されて以来、キャラクターをめぐる議論は依然として極めて高い活発さを保っている。Weibo、Douyinから小紅書、Lofterに至るまで、キャラクターのMAD動画、ストーリー考察、人間関係の議論、二次創作が絶えず続いており、キャラクターの誕生日や名場面の更新、重要ストーリーの配信のたびに、ファンの自発的な拡散と二次創作が巻き起こっている。

こうした話題性は、一回のプロモーションで手に入れたものではなく、キャラクターが長年かけて積み上げてきたコンテンツの生命力によるものだ。

キャラクターが真に確立されたとき、観客は自発的に創作し、自発的にシェアし、自発的に薦めてくれる。IPは持続的に成長する力を手に入れる。そしてこの生命力によって、『葉羅麗』の価値はもはやアニメそのものにとどまらなくなっている。

近年、『葉羅麗』はIPエコシステムの拡大を続け、複数のブランドとのコラボレーションを行い、テーマ展や没入型イベント、ライセンス商品など多様な形態を通じて、キャラクターの影響力をコンテンツからより多くの消費シーンへと広げている。観客はキャラクターを通じて感情的なつながりを生み、ブランドはキャラクターを通じてコラボの価値を見出す。成長し続けるキャラクターは、『葉羅麗』のビジネスの境界を絶えず押し広げ、このIPにさらに長く発展する空間をもたらしている。

そしてこのすべては、最終的に最もシンプルな一つのこと——寄り添い——に由来している。

初めて『葉羅麗』を開いたあの子は、今や大学に進学し、社会人になり、恋をし、あるいは自分の家庭を築いてすらいるかもしれない。

新しい観客にとって、彼らが見るのは絶えず更新され続ける物語だ。

古い観客にとって、彼らが見るのは、自分と一緒に成長してくれた友人たちなのだ。

成熟したIPの最も貴重な資産は、世界観でも再生回数でもなく、観客とともに成長してくれるキャラクターたちなのだ。

キャラクターが成長し続ければ、観客もまた成長についていく。観客とキャラクターが共に成長するとき、IPは時間を超えた生命力を手に入れる。そして、コンテンツの価値、ブランドの価値、ビジネスの価値を創造し続ける無限の可能性を手にするのだ。

物語はまだ続いていく。IPもまた新しい価値を創造し続けるだろう。

そして『葉羅麗第11シーズン後半』の物語は、夏休みの毎週木曜日午後4時に、この作品を愛するすべての人と約束を果たして再び出会うこととなる。